分類: 電影時刻

三年前，導演柯林·崔佛洛（Colin Trevorrow）接手史蒂芬·史匹柏（Steven Spielberg）蟄伏已久的《侏羅紀公園》系列，新的故事描述一個未來式的野生公園，由於管理階層想要創造奇觀，以賣出更多門票，因此決定修改園中生物的基因。《侏儸紀世界》不只是一部大片，它是一部充滿隱喻的電影。陰暗的瑪斯拉尼企業指涉了好萊塢和他們對大製作系列電影的迷戀，而新研發出的帝王暴龍，就是電影觀眾年復一年為之買單的大片。導演崔佛洛為了觀眾溫和地試著顛覆這種趨勢，而《侏儸紀世界》當年的全球票房收入超過十六億美金，這也使讓它成為2015年最成功的電影之一。

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作者：Chaim Gartenberg　編譯：歷史小豬

2018年對漫威來說是相當重要的一年──漫威首部以黑人演員擔綱的超級英雄電影《黑豹》（Black Panther, 2018）即將上映，而眾星雲集的《復仇者聯盟：無限之戰》（Avengers: Infinity War, 2018）也蓄勢待發。不過，2018年也是《鋼鐵人》（Iron Man, 2008）年上映十週年的日子，該片開啟了漫威宏大的電影宇宙實驗。十年後的今天，漫威宇宙獲得了獨一無二的成功，在好萊塢還沒有任何人可以望其項背。

漫威的超級英雄故事才剛開始

在美國雜誌《浮華世界》（Vanity Fair）對漫威總裁（也是漫威電影成功之路的整體策劃者）凱文‧費奇（Kevin Feige）的剖析中，漫威的超級英雄故事似乎才剛開始。漫威至今已經推出或計畫了22部漫威宇宙電影，從《鋼鐵人》到該公司規劃的「第三階段」（Phase Three, 設定於奧創攻擊地球時期，針對超級英雄的輿論開始分化，復仇者聯盟變得支離破碎，在這段動盪的期間，新的角色如奇異博士、黑豹、螳螂女、蜘蛛人和驚奇隊長等加入），包括第四部可能也是最後一部的復仇者聯盟電影（預定於2019年上映），將會結束掉《復仇者聯盟：無限之戰》的故事。但根據凱文‧費奇表示：「我們計劃推出另外20部電影，而它們將會和之前的漫威電影完全不同──我們故意的。」迪士尼的CEO勞勃‧艾格（Bob Iger）似乎也對此表示同意，他指出，漫威擁有約7000個角色的版權，暗示該公司打算使用這些角色，再創作不同類型的電影。

不過，雖然勞勃‧艾格和凱文‧費奇的說法很有趣，關於漫威電影在未來重啟的若隱若現的暗示，才是最奇妙的部分。

關鍵演員像小勞勃道尼（Robert Downey Jr.）、克里斯‧伊凡斯（Chris Evans）、克里斯‧漢斯沃（Chris Hemsworth）和史嘉蕾‧喬韓森（Scarlett Johansson）的合約都只簽到最後一部《復仇者聯盟》電影。而在故事方面，未來兩部《復仇者聯盟》電影看起來似乎會結束在無限寶石的冒險故事上，也就是漫威電影最初三個階段的核心部份。或者也可以用凱文‧費奇自己的話來說：「漫威電影將會有兩個完全不同的時期：在《復仇者聯盟4》之前，或之後。」

漫威對復仇者聯盟之後的計劃核心仍然保持緘默

最重要的是，漫威對《復仇者聯盟》之後的計劃至今仍然保持緘默。該公司只證實了會有凱文‧費奇提到的兩部續集電影：將在2019上映的《蜘蛛人：返校日》（Spider-Man: Homecoming, 2017）續集，以及預定於2020年上映的第三部《星際異攻隊》（Guardians of the Galaxy），由詹姆士‧岡恩（James Gunn）編導。

漫威的做法和漫畫改編電影的對手DC/華納兄弟完全不同。DC/華納兄弟已經野心勃勃地公開DC宇宙接下來20部電影的計劃：《水行俠》（Aquaman）、《沙贊》（Shazam）、《神力女超人2》（Wonder Woman 2）、《鋼骨》（Cyborg）、《綠光戰警》（Green Lantern Corps）、《蝙蝠女》（Batgirl）、《蝙蝠俠》（The Batman）、《黑亞當》（Black Adam）、《閃點》（Flashpoint）、《哥譚魅影》（Gotham City Sirens）、《黑暗正義聯盟》（Justice League Dark）、《夜翼》（Nightwing）、《自殺突擊隊2》（Suicide Squad 2）、《天堂獵鷹》（Birds of Prey）、《死亡射手》（Deadshot）、《喪鐘》（Deathstroke），一部哈莉‧奎因（Harley Quinn）和小丑的電影、一部《正義聯盟》續集，一部羅伯（Lobo）的電影，還有一部《超人：鋼鐵英雄》的續集。這些電影大部分都還沒有具體時程、製作資訊，有些連片名都沒有，而DC的電影計劃目前也只排到2020年而已。DC未來是否會改變方向，目前仍不明朗，還是要看DC是否計劃針對許多仍有版權問題的角色提出一份完整的說法。

 

原文出處：The Verge

作者：Tasha Robinson　編譯：歷史小豬

要在華納兄弟和DC合作的最新一部英雄電影《正義聯盟》（Justice League, 2017）身上找到宏大的戰略可能是個錯誤。這部電影必然是多重個人與企業意見衝突的產物：原本的導演查克‧史奈德（Zack Snyder）因為個人家庭因素中途退出，由喬斯‧溫登（Joss Whedon）接手完成電影的拍攝，透過數月的補拍去拼接查克‧史奈德的鏡頭以增加角色塑造和喜劇笑點。同時華納絕對有意識到查克‧史奈德對DC宇宙的宏偉構想既不受影評家歡迎，在粉絲眼中的表現也不佳，而它可是DC企圖趕上漫威（Marval）近十年來獨佔英雄電影勝場的策劃。這樣的狀態直到《神力女超人》（Wonder Woman, 2017）的導演派蒂‧珍金斯（Patty Jenkins）加入，才為查克‧史奈德的電影色彩構想帶來比較明亮的調性和更為人性化的視角。在晚於DC失敗的《自殺突擊隊》（Suicide Squad, 2016）上映並大獲成功的《神力女超人》之後，跟隨《神力女超人》的壓力必然更為氣勢洶洶（或者最低底限，要在《正義聯盟》裡加入更多神力女超人的元素）。如此一來，《正義聯盟》感覺就像一部有著太多手往著太多方向推動的電影。

但對DC來說，他們還是想把《正義聯盟》視為試水溫的作品，以測試超級英雄粉絲的意見，問問他們「你們真正想在2017年的超級英雄電影裡面看到的是什麼？」因為這部電影有著這麼多調性和敘事方向，從戲劇性的主題到戲謔的小片段，從沒頭沒腦的巨星痛揍大混戰，到關於英雄所背負責任的思慮周全的對話，無一不有。《正義聯盟》不是一部完全一致的電影，但它絕對是一部採平均主義的電影。如果有任何人追蹤個別觀眾回應──通常是在社群媒體上面──DC可能就可以學到很多接下來該怎麼做的要點。這間公司已經笨拙地調整它們對於DC宇宙計劃的方向，以推行更多的獨立電影。不管人們是喜愛喬斯‧溫登在《正義聯盟》裡的幽默，或是抱怨說他們想要更多查克‧史奈德那種沉重、嚴峻的黑暗行動風格，至少DC都可以藉此決定未來計劃的方向。

在此同時，觀眾則得到一部調性奇怪的《正義聯盟》。它從《蝙蝠俠對超人：正義曙光》（Batman V. Superman, 2016）留下的DC宇宙故事開始說起。超人已死，地球不再有眾人皆知的外星人保護者了，而蝙蝠俠（班‧艾佛列克Ben Affleck飾演）擔心即將來臨的威脅可能超過他的能力所能應付的範圍。在取得雷克斯‧路瑟（Lex Luthor）擁有的資料後，他嘗試著集結少數傑出的個人來應對未來的局勢。他已經在《神力女超人》裡面對過戴安娜‧普林斯（Diana Prince），也就是神力女超人（蓋兒‧加朵Gal Gadot飾演）。他也去見了貝瑞‧艾倫（Barry Allen，閃電俠，由驚悚電影《凱文怎麼了？》（We Need To Talk About Kevin, 2011）的主角伊薩‧米勒Ezra Miller）飾演。這一幕讓人感覺有一點太像東尼‧史塔克（Tony Stark）在《美國隊長3：英雄內戰》（Captain America: Civil War, 2016）裡和彼得‧帕克（Peter Parker）談心的場面了。接著蝙蝠俠到遙遠的北方沿海城鎮找尋亞瑟‧庫瑞（Arthur Curry，水行俠，由傑森‧摩莫亞Jason Momoa飾演），在那裡，市政廳的牆上畫有古代亞特蘭提斯的秘密。第五個可能進入超級英雄團隊的競爭者是維克多‧史東（Victor Stone，鋼骨，由雷‧費雪飾演），他主動和團隊取得聯繫。每個蝙蝠俠打算招募進正義聯盟的角色都有自己的理由，想要避開即將來臨的戰爭，只有一個人一開始就給了蝙蝠俠正面的回應。但理所當然地，對這些人來說，即將來臨的末日過於龐大和混亂，讓他們難以坐視不管。

這場末日，對熟悉達克賽德的DC老粉絲來說更有意義。一般觀眾可能看不太出來主要反派之間之間的不同，比方說《蝙蝠俠對超人：正義曙光》裡的毀滅日計劃，還有漫威宇宙裡那些一直到《復仇者聯盟3：無限之戰》（Infinity War, 2018）裡都還糾纏不休、單調枯燥的反派。僅僅滿足於說這就是電玩風格，追求收集威力強大的物件，依次面對不同的反派，有一系列不斷升級的戰鬥，然後漸漸領悟到英雄需要拋棄個人的包袱並且一起合作。在這個宏大的主題層次上，電影相對基本的訊息就是在合理的範圍內讓觀眾感到滿意。「人多力量大」、「採取積極的行動比沉思更讓人滿意」，還有「參與世界發生之事正是我們之所為人的部份原因」，這些都比去問「為什麼人類需要英雄，而我們為什麼又如此經常捨棄他們呢？」讓人感覺和現今的社會及政治重大時刻更有關係，而後者正是DC宇宙從《超人：鋼鐵英雄》（Man Of Steel, 2013）到《神力女超人》都全神貫注的問題。

而《正義聯盟》整體看來驚險刺激，還有一點點擺明要氣死人的轉折，讓過去的DC宇宙電影變得很洩氣：像「你媽媽的名字也叫瑪莎？」這樣的失算或是「超人毀滅了他試圖拯救的城市。」這樣走調的心機。這一次，英雄們眼前有著相對黑白分明的戰鬥等著他們，而不用回答一些與存在相關的問題，比方說人類是否值得被拯救，或是他們是否值得去拯救人類。這也讓電影角色無法表現出他們每個人最棒的英雄本質。有個電影中段不可避免的轉折大幅改變了故事的走向，但至少讓一場驚險的戰鬥稍微比其他場更多變一些。

《正義聯盟》讓人經常有被打斷的感覺。喬斯‧溫登補拍的鏡頭有時候明顯到讓人覺得痛苦。比方說當閃電俠和鋼骨在墓地簡單分享個人時刻的那一幕，看起來和1997年上映的美國電視影集《魔法奇兵》（ Buffy the Vampire Slayer）第一季一樣廉價。不過，雖然這些場景看起來似乎是勉強插入的，它們還是為這部電影帶來了最有意義的角色時刻，還有幽默的亮點和人性。水行俠快速吐嘈蝙蝠俠的那一幕，比電影後面兩小時的內容更能讓我們了解水行俠的個性。在閃電俠和鋼骨發現他們都是因意外而獲得超能力的那一刻，這件小事感覺對鋼骨來說是態度軟化的重要關鍵，也給了閃電俠最後找到和另外一人有共同點的機會。

問題在於這些片段不只是在視覺上或概念上改變了整部電影的方向，有許多片段著重於普通且大規模的CGI動畫，以同時表現活靈活現的壓倒性力量和不可移動的物體。主要反派荒原狼是一個近乎無懈可擊的空想CGI怪物，背後有著由免洗怪物天啟魔組成的軍隊，這就讓有英雄和反派出現的每個地方都在戰鬥然後戰鬥然後再戰鬥，從天花板一路砸到地板上，直到每場戰事都變得像新型環境破壞機器的測試品一樣。英雄們只能勉強擠出時間去發展並分享他們的戰略，就這樣一路往電影的盡頭前進──正常情況下，他們的策略是輪流跳到反派身上，打倒他，然後讓自己被打倒，不管在這個過程中有幾面牆壁被打碎都一樣，這造就了極度重覆的戰鬥場面。唯一的例外是：閃電俠，這個用慢動作神速力到處奔跑的英雄。但他的畫面也讓人感到沮喪，因為特效做得和《X戰警：未來昔日》（X-Men: Days of Future Past, 2014）和《X戰警：天啟》（X-Men: Apocalypse, 2016）裡刻畫快銀（Quicksilver）的方式很像。而繼續展現不同的車型的蝙蝠俠，則試著保護他遍體鱗傷的身體。

《正義聯盟》有很多線索都很值得再推進一點，布魯斯‧韋恩對輔助工具的忠誠就是其中之一。表面上，他是個開自己玩笑，說自己的超能力就是有錢的混帳。私底下，他察覺到自己已經老化，他的身體比身邊其他英雄都弱，而他也不可能再長時間當英雄了。這是一個可以理解的情節，但它同時也是很單薄的一段情節。《正義聯盟》裡有太多這樣的例子，僅僅用了幾句台詞來填補漏洞，比方說貝瑞‧艾倫的情感疏離和拙於社交問題，或是黛安娜長年來對失去史蒂夫‧崔佛（Steve Trevor）懷有的悲傷。（這裡要稱讚《正義聯盟》一下，至少它有試著解釋她為什麼整個世紀裡都在世界大事上缺席，不過這個說法出現和消失的太快，幾乎沒有給人留下印象。）這部電影必須為了三個新出現的英雄和整個團隊扮演好起源故事的角色，同時它用簡潔和冷漠的方式模糊地跳過了許多重要角色。當然，DC粉絲們對這些角色都已經很熟悉了，也沒有興趣再看一次他們的背景故事，所以拍得簡潔好像也是沒有問題的，而且粉絲們也很高興，可以看到這些英雄在螢幕上迎接史詩般的冒險。但是對第一次認識這些英雄的觀眾來說就有點難過了，他們要一次吞下閃電俠有點滑稽的來歷（「所以，你是被閃電擊中囉？」），或是透過另一場戰鬥和博覽會一樣的鏡頭簡單地偷看一下亞特蘭提斯。

這也就是為什麼《正義聯盟》最後對觀眾來說會那麼像民意調查的結果，所有人們可能會想看到的東西通通混雜在一起一次演給你看。神力女超人的粉絲可能會因為世界級規模的遠古大戰的短暫回憶（裡面還有一些為粉絲服務的DC英雄客串演出）和天堂島的場景而來看這部片，但片中還有為數不少的神力女超人掀裙鏡頭，是拍給觀眾中那些無禮的色鬼看的。喜歡憂鬱英雄的粉絲可以看到因為失去人性而大驚小怪的鋼骨；喜歡盲目行動的粉絲則可以看到鋼骨爆破並打壞任何擋在他前面的東西。雖然他先前關心的事情都還沒解決，但也被丟到一旁。這是查克‧史奈德和喬斯‧溫登的電影，考慮到他們兩個都有各自的粉絲和批評者，對觀眾來說，這樣的作品有可能最終會比完全由一個人來拍要好。遺憾的是他們不能一起工作，創作出一個具有凝聚力又互相連貫的版本，徹底地融合他們兩人的感受性，而不是像現在這樣來來回回地拔河，好像永遠在向觀眾確認：「這個是你想要的嗎？那換成這個怎麼樣？」

 

原文出處：The Verge

作者：Thuy Ong　編譯：歷史小豬

「我們被所愛之物而定義。」

在傳統的愛情故事裡，男孩遇見女孩，男孩愛上女孩，女孩愛上男孩，然後發生一些關鍵的故事情節。除非故事還有續集，不然我們會假設男孩和女孩之後就會永遠過著快樂且不合邏輯的日子。但是，如果在未來世界，故事變成男孩設計出女孩呢？在《銀翼殺手2049》裡，K（雷恩‧葛斯林飾演）和他的AI全息投影伴侶嬌伊生活在一起，而嬌伊是華勒斯企業生產並為人們量身打造的完美伴侶。她的產品標語是：「做你想看的，說你想聽的。」

這部片的編劇邁克爾‧格林表示：「我知道我們說了一個主角性格渴望提升的故事，所以呢，因為我們是被所愛之物而定義的，那麼他所愛的，也一樣需要一個故事。現在，如果那個故事僅僅是他的幻想和優異的程式運算結合而成的投影呢？或者說，她只是一個「特別的」嬌伊版本，因為她和一個獨特的人在一起，所以她就變得多了一些什麼──這是我希望人們看完這部片後仔細思考的問題。當K在最後看到嬌伊的廣告，那卻不是他的嬌伊……那傷了我的心。而《銀翼殺手》系列電影就是應該要讓人感到傷心。

《銀翼殺手》系列電影就是應該要讓人感到傷心。

K是一個複製人，但他仍會感到孤單和渴望。雖然他和嬌伊好像愛著彼此，悲劇卻存在於這場幻覺之中。如果某件事的幻覺是有意義的，那這件事到底有沒有意義？在《銀翼殺手2049》這場愛情故事裡，什麼是「真實」而什麼不是的概念很模糊，但我們卻清楚知道K因為嬌伊的存在而得到了安慰，而她也讓他覺得自己像個人。她給了他人類的名字，在這之後，他心裡就有了一些目的和信念，讓他覺得自己不僅僅是被設計出來做事的複製人。從外部角度來看，這段感情是幻覺，但對K來說是真實的──這就代表這段關係是真實的。

就像由史派克‧瓊斯（Spike Jonze）所執導的電影《雲端情人》（Her, 2013）主角西奧多（Theodore）一樣，K把他的渴望投射到AI驅動的女人身上，但他仍在這段感情裡得到真實的情緒和積極的個人意義。這是個自相矛盾的問題：他在感覺這個AI被設計出要讓他有感覺的事情，但這份感覺仍然是有意義的。雖然這段感情立基於某些人造的或被設計出的事物上，但依然為真實世界帶來了持續性的後果。K的愛給了他一個可以為之努力的目的，讓他做出了選擇，並對其他人產生了許多長期的影響。

《銀翼殺手2049》裡有種潛在的希望：嬌伊的成長能夠比她內部程式所設定的更多──她愛著K，這是出於她自己的能動性，而非只是一場空虛的幻想。K受傷或者她可能嚇到他的時候，她關心K的舉動，都暗示著她和K的感情很好。當她的數據資料被摧毀的時候，K明白了她是如何定義著他。編據格林認為這樣的升華以一種驚愕的方式來到K的身上，但也讓K決定為更崇高的目標努力：去營救戴克，並讓戴克和他女兒團聚。K把嬌伊型塑成他想要她成為的樣子，但嬌伊反過來也型塑了他。因著他們對對方的愛，K和嬌伊似乎都超越了自身原有的程式設定限制。尋求著更多東西的仿生人男孩和全息投影女孩之間的這場戀愛，為我們帶來了近期科幻作品中，最發人深省的一段關係。

 

原文出處：The Verge

 

作者：Bryan Bishop、Adi Robertson　編譯：歷史小豬

編按：本文由科技媒體The Verge的兩位記者Bryan Bishop及Adi Robertson以對話錄形式寫成。

我們該怎麼看待續集重鑄原作事件的方式？特別是戴克和瑞秋之間的關係。

Bryan：我簡單說一下，對我來說，續集和原作在解釋上最大的轉折在於：戴克可能是被程式設定成要愛上瑞秋的。這個說法在續集裡說得通，但我必須要說，過去我在看原作的時候，我一直不讓這個想法進入我的腦海裡。在《銀翼殺手》裡，戴克決定和瑞秋一起逃亡，是他這個角色被定義的時刻。在那之前，他無論做什麼都遵守著銀翼殺手的標準守則。但是不管你過去看的《銀翼殺手》是哪個版本（還有，不管你認為戴克是複製人還是人類），當戴克決定不再總是走別人幫他安排好的路而做出逃亡這個決定時，就是他實實在在改變的時刻，也是他流露出自我人性的一刻。

所以如果輕易地說那是被程式設定好的，對我來說整部電影的意義就消失了。沒有理由再看它了。一個角色的故事應該要和道德上的新發現有關，而不僅僅是一場機器人之間的遊戲。我是唯一一個這樣想的人嗎？

Adi：已經有人指出當年戴克吻瑞秋是基於一種曖昧的同意（戴克要瑞秋自己說「吻我。」），所以我想如果我們要反駁那是程式預先設定好的，應該可以更有力。說真的，在二十世紀的電影裡，大部分浪漫情節都被設計得比戴克和瑞秋更像機器人之間的戀愛。

有沒有一種說法可以統稱這種續集把原作的情節重新解釋為一種策劃好的大師計劃的做法？我是不會斷然反對這種做法，但就像你說的，如果這整件事都是泰瑞爾計畫好的，那《銀翼殺手》的戲劇張力就大為減少了。

Bryan：我想這在技術上可以被稱為「破壞一切以擴展宇宙症候群」。但有一點必須要說，續集美感的流失，往往只是拓展了之前已被訴說的故事。所以我很少遇到讓我覺得確實有必要重新解釋或反思原作論述的續集電影。這不是說這樣做行不通，但若要說最基本也最好的做法，不要破壞前作似乎是比較合理的方向。

《銀翼殺手》裡複製人的困境是被當成真實世界的奴隸，這個主題在《銀翼殺手2049》裡也再次出現。電影是如何討論它的？

Bryan：就像導演在《銀翼殺手2049》裡處理大部分這類主題的手法一樣，他不直接對觀眾談論這些概念。我會覺得《銀翼殺手2049》在解釋這些事情的實際影響上做得比原作好。K和羅蘋‧萊特飾演的喬希中尉之間的關係尤其如此。她是他的長官，明確告訴K要做什麼，同時事無鉅細地管理著他調查的大部分事務。但她也把K視為玩物：在她閒暇的時候，她喝醉了，並和K調情。

她在這一幕表示出她喜歡K，而且希望她喝光那瓶伏特加後，他們之間會發生些什麼。她的意圖很清楚了，但K只是讓時間尷尬地流過。這個片段很短暫，但也讓我們感受到，在這世界上，華勒斯那些完全服從的複製人機型可能會遇見何種不公正的事情。

Adi：喬希中尉、K和嬌伊之間有一種有趣的動態。K對嬌伊有著喬希中尉對他那樣的控制權，但是K把他和嬌伊之間打造成理想化的1950年代夫妻關係，他對嬌伊的權威，因著他對嬌伊的責任感而取得了平衡，正好和喬希中尉公開保護K的方式相反。正如我們之前指出的，《銀翼殺手2049》是一部疏離的電影，所以我不確定導演是否在這裡為他們三人的關係安排了一致的故事敘述。但你可以辯解說，K和嬌伊的關係，是兩個邊緣化的非人類在他們之間永遠不會消失的那種權力等級下，所做出的最好表現。

到底為什麼K可以去做這些新型複製人應該不能做的事情？

Bryan：這是個大問題，我必須承認，我還沒有想出一個前後一致的、經過仔細思考的答案。電影一開始就告訴我們，複製人之所以可以再次做為社會的一部分活著並蓬勃發展，是因為他們精準無誤地服從人類並遵守規範。（銀翼殺手的存在只是為了追捕先前的Nexus 8舊機型複製人，Nexus 8沒有生命長度的限制──不過這個設定也讓人好奇是否只是為了交待「銀翼殺手」在2049年做為一種職業存在的合理性）但隨著電影推進，雷恩‧葛斯林扮演的K開始偏離那些按理說固有的程式設定，特別是他對喬希中尉撒謊，騙她說自己已經把瑞秋和戴克的孩子處理掉了的時候。

鑑於K開始偏離他的基準測驗──雖然不如原作中的人性測驗有趣，但我很喜歡那些評估序列──如果用美國科幻小說家艾西莫夫（Isaac Asimov, 1920-1992）式的角度來看，也許華勒斯製造的複製人並不是強制設定到絕不會違背命令的。

這又可以回溯到喬希中尉最後對K說的話。在K沒通過他的基準測驗後，她說她可以為K爭取兩天時間，但在那之後就會有某人去追捕他。

但這也帶來了問題：被生出來的複製人到底是什麼呢？安娜‧史特林博士擁有完全的自由意志嗎？有太多細節可以拓展並讓故事變得更豐富，我還是很困惑為什麼導演團隊從未用有意義的方式來解決這些問題。

你會覺得華勒斯他們的補救措施可以更優雅，而不只是派樂芙去用迴旋踢把往K死裡打

Adi：我也很愛那個基準測驗，並且覺得它可能就是關鍵所在，但是從我們在前傳短片《銀翼殺手2036：複製人時代》裡看到華勒斯直接命令一個複製人切開自己的喉嚨，再到《銀翼殺手2049》，這中間有著相當大的跳躍。你會覺得在K不再服從的情況下，華勒斯他們應該有一些比較優雅的做法，而不只是派樂芙派去用迴旋踢把K往死裡打。

我認為這裡最大的問題就是複製人沒有意義。《銀翼殺手》系列從未圓滿地解釋為什麼在人們想要看上去和活動起來都很像真人的機器人奴隸，特別是在這些機器人奴隸已經把真人嚇倒了的時候。我們也從不知道為什麼人類和複製人之間的不同（包括樂芙與客戶談到的特別訂製複製人）在實際意義上是重要的。這沒關係，因為《銀翼殺手》都在談廣泛的哲學問題：生而為人的意義是什麼？但當你看到像《銀翼殺手2049》這麼複雜而又脆弱的情節時，問題就真的開始堆積如山了

《銀翼殺手2049》是否實際上在為續集鋪路？

Bryan：不知道為什麼，我其實希望它是一部獨立的電影。可能因為它是《銀翼殺手》，要幫它拍續集實在是太勉強。《銀翼殺手2049》中有很多沒有被回答的問題和懸空的劇情支線，我不禁想，這部電影試圖在某種程度上建立一個更大的《銀翼殺手》宇宙。

Adi：真的不是這樣！但我同意你說這部電影留下很多懸而未決的東西。

很難相信某人心裡沒有續集

Bryan：也許我太嫉世憤俗了，但我很難相信某人心裡沒有續集。複製人是有力的力量，正在等待反擊，只要他們認為時機已到，就會起而反抗──但這個時間點並不在《銀翼殺手2049》裡。傑瑞德‧勒托扮演的尼亞德‧華勒斯毫無疑問是個反派，但電影跑片尾名單的時候，他依然不在裡面──他熱切地希望解開複製人生殖的秘密，這樣他就可以創造數以百萬計的「天使」，並驅使他們去探索和建設整個宇宙。然後，還有一個簡單的劇情線是戴克和他的女兒。電影結束在他們第一次見面的地方，觀眾對於安娜‧史特拉博士知不知道自己是誰或是什麼，都還一頭霧水。

Adi：也許現在要在三小時長的電影之外再多來一點《銀翼殺手》的資訊是很難的，但是這部電影激發了很多可能性，和我目前能想像到續集給出的解答相比，似乎更為有趣。就電影中的所有情節而言，《銀翼殺手》實際上並不是一部完全由劇情推動的電影，而它的續集可能會改變這種調性和節奏，但也有讓所有事情變得更加混亂的風險。

Bryan：我完全同意你，這代表我可能是太嫉世憤俗了沒錯。但我想起了《魔鬼終結者》系列在《魔鬼終結者2：審判日》（Terminator 2: Judgement Day, 1991）之後的情況。回到我們的討論，你對粉絲這樣說，而他們可以解釋他們是如何渴望一部專注於人類和機器人之間「未來大戰」的電影。這就是《銀翼殺手2049》在某些時刻給人的感覺：它只是一部人類和複製人在混亂末日式的反叛中短兵相接的電影的前傳。

但我不想看到這樣的電影，就像我不想再看到更多的《魔鬼終結者》系列電影一樣。《銀翼殺手2049》是不完美，但事實上它的存在是個小小的奇蹟，對等待了三十五年之久的粉絲來說已經非常值得了，就讓它以這樣的方式存在吧。

 

（完）

延伸閱讀：

《銀翼殺手2049》外媒深度影評（一）

《銀翼殺手2049》外媒深度影評（二）

 

原文出處：The Verge

作者：Bryan Bishop、Adi Robertson　編譯：歷史小豬

編按：本文由科技媒體The Verge的兩位記者Bryan Bishop及Adi Robertson以對話錄形式寫成。

華勒斯稱得上是反派嗎？

Adi：他絕對稱得上，我對地獄的新想像都圍繞在他身上。我喜歡華勒斯就是泰瑞爾的鏡像這個概念；相較於冷酷的實驗者，他是一個殘忍但有情的舊約聖經中的上帝。但是把他對複製人孩子的尋求視為實際提升生產效率的措施是沒有意義的。同時傑瑞德‧雷托也不應該被設定為一個一直說著反派獨白的角色。

Bryan：但是…那些獨白讓他…可以在那些奇怪的時刻…用那種有著戲劇化停頓的方式說話。

我必須承認我問這個問題是因為我沒辦法在〈銀翼殺手2049：無雷預告〉裡這樣問，但我真的發現這部電影最大的弱點就是缺少一個具推進力的反派。華勒斯幾乎讓人覺得他只是故事背景，讓觀眾知道電影在原作的三十年後發展到哪裡了，然後再把複製的瑞秋帶出來，好混亂戴克的思考。當然，他有個目的，就是要解開複製人的生殖祕密，但是除了坐下來冥想之外，他在電影裡沒有做任何事。泰瑞爾在原作電影裡也是這樣，但是泰瑞爾本來就只是建構《銀翼殺手》世界觀的角色，除此之外別無他用。在1982年的電影裡，羅伊‧貝提才是明確的壞人，而電影所要探問的主要問題，也緊緊圍繞在他和戴克的相互影響上。

最接近反派的是做為華勒斯左右手的複製人

《銀翼殺手2049》裡最接近反派的是樂芙，但就像她在片尾對K說的那樣，她的動機只是為了證明自己才是「最優秀的」。這是個關於本片服從主題的暗示，但非常單面向。這部續集中沒有任何片段可以和1982年原作裡貝提那段「雨中之淚」相比，這部片也深受這點所苦。

Adi：我很好奇你怎麼看導演給了樂芙兩個讓人想起原作的片段這件事：一個是重覆戴克平移並放大鏡頭檢視照片的場景，只是這次還加了導彈襲擊；另一個則相當於泰瑞爾和貝提之間的會面。我看不出這兩個片段中有強烈的主題性，或由角色驅動的理由，所以它們就只是彩蛋而已嗎？

Byran：我認為它們應該是彩蛋。我可以想到和原作最接近的類比，就是樂芙是這部續集中的銀翼殺手，她就像過去戴克當銀翼殺手時那樣，只有這次她選擇在K執行任務時跟蹤他，而不只是簡單地消滅他。這看上去似乎已經很明顯了，不是嗎？如果還要說點其他的，我覺得那個平移並放大鏡頭的引用會讓人分心，至少讓我覺得出戲。不過《銀翼殺手2049》基本上是部接近三小時的藝術電影，為什麼不多放一點粉絲福利呢？

用CGI技術複製瑞秋是個好主意嗎？

Bryan：如果可以證明視覺效果技術已經有比《星際大戰外傳：俠盜一號》（Rouge One, 2016）時用CGI技術重新還原的拉金和莉亞公主進步，那當然是個好主意。我確實覺得瑞秋出場的那一刻非常有影響力，而且我也很喜歡導演和整個工作團隊直到電影上映那天都很努力地保守這個秘密。那一幕非常棒，主要是因為哈里遜‧福特的表演。你可以看出戴克動搖了，但他穩住自己，告訴華勒斯真正的瑞秋有著綠色的眼眸，然後像他過去當警探時那樣漠不關心、硬漢般地走開。在整部《銀翼殺手2049》裡，戴克都是個老去的角色，終日被悔恨和渴望所追趕。但在那一刻，他又變回了觀眾三十五年前第一次認識的那個黑色風格銀翼殺手。

但複製瑞秋的視覺效果是否完美無瑕？並不是。雖然看上去是瑞秋，但她的動作似乎不是非常自然，而她說話動作時，臉上的肌膚感覺和肌肉也不服貼。事實是，當電影裡有人提到瑞秋閃亮的紅唇時，我就想知道那是不是為了誤導觀眾。一方面把大家的注意力引到瑞秋的嘴唇上，讓大家分心，不會注意到有些奇怪的臉部動畫，另一方面也可以解釋一下為什麼她的嘴唇比一開始出場時更閃亮。我覺得不管是哪一種都很危險，會過度吸引人們的注意力，而不是讓角色自己創造出吸引觀眾的東西。你怎麼看？

Adi：這讓我希望哈里遜‧福特可以出現更多幕，因為戴克有些多變且具對抗性的優秀片段是K所沒有的。說得更清楚一點，我喜歡雷恩‧葛斯林的表演，但是可以再更強調這兩個人物之間的平衡一點。

至於視覺技術，我想如果我們必須要看《銀翼殺手2049》和《星際大戰外傳：俠盜一號》這樣的電影，最後我們就會很習慣數位角色的出現，隨便其他導演怎麼折騰它們都沒關係。

Bryan：我想你是對的。我只是希望我們可以快點渡過動畫CG角色的成長期。就像今天我們看到的東西這樣難以置信，要到達完美，還要經過一些痛苦的時刻。

 

（未完待續）

延伸閱讀：

《銀翼殺手2049》外媒深度影評（一）

《銀翼殺手2049》外媒深度影評（三）

原文出處：The Verge

作者：Bryan Bishop、Adi Robertson　編譯：歷史小豬

編按：本文由科技媒體The Verge的兩位記者Bryan Bishop及Adi Robertson以對話錄形式寫成。

十月初，丹尼‧維勒納夫的《銀翼殺手2049》上映了。做為一部原作上映三十五年後才出現的續集，《銀翼殺手2049》從很多方面來看都是一部讓人難以置信的片子。就像我們之前在〈銀翼殺手2049：無雷預告〉中說的那樣，它是一部充滿野心、有著頹廢視覺風格的電影，雖然片長接近三小時，但是非常迷人。

但是三十五年的等待會帶來非常多期待──特別是過去當你談起《銀翼殺手》時，照理說你並不預期它會有續集出現。鑑於丹尼‧維勒納夫盡可能靠近雷利‧史考特在1982年使用的那種寫意式說故事方法，我們有幾個在腦海中揮之不去的問題，需要坐下來好好討論。

《銀翼殺手2049》感覺像《銀翼殺手》嗎？

Adi：我很高興《銀翼殺手2049》以如此舒服的方式遠離了總是非常黑暗的賽博朋克（cyberpunk）洛杉磯，但它設定在洛杉磯的那些場景，仍然掌握了《銀翼殺手》的獨特風格。有些科幻電影的場景讓人感覺太像現代，例如《羅根》（Logan, 2017上映，故事背景是2029年）和《迴路殺手》（Looper, 2012，故事背景是2044和2074年），感覺就好像我們的現代就等同於那些賽博朋克作品裡的未來城市。但我很愛《銀翼殺手2049》從原作那個1980年代版本的2019年繼續推展的部分，像片中的微縮膠片DNA閱讀器就是。還有戴克生活的荒廢賭場，簡直讓銀翼殺手那種將污穢和華美結合在一起的風格臻至完美，就像蜂窩附近那些巨大、搖搖欲墜、庸俗的雕像一樣。

視覺到位了，但主題還在掙扎

Bryan：沒錯！那真的很棒！我在重新回想這部電影和在首映日二刷的時候，都發現真的很奇怪，這種美學正是這部片成功的必要條件。一部電影如果沒有雷利‧史考特原作裡那些指標性的視覺元素，就不配擁有《銀翼殺手》這個名字。那些元素包括：淒涼的洛杉磯、光線總是從你看不見的角落隨機射入閃閃發光的泰瑞爾總部（現在是華勒斯總部了）。在《銀翼殺手》的世界裡，這些視覺元素就像《星際大戰》（Star Wars）裡的光劍和原力一樣，一旦沒有它們，整部電影就完全不像是該系列中的作品了。

這也就是說，正是你提到的那些片段，當電影鏡頭停在洛杉磯之外，《銀翼殺手2049》才走進了它自己的視覺風格。那種蒼涼的色彩和那些令人回味的剪影，讓《銀翼殺手2049》有了自己的生命。就像我在〈銀翼殺手2049：無雷預告〉中說的，如果這次電影攝影師羅傑‧狄金斯沒有因本片得到奧斯卡最佳攝影獎，那奧斯卡就真的不值得重視了。

但是除了攝影技術之外，還有一個地方讓我覺得這部電影不太像《銀翼殺手》：這部片的潛在主題。在原作裡，戴克緊緊抓住一個概念，就是複製人也有真實的感覺和情緒。當他也是複製人這件事情變得更清楚時，那人類又是什麼呢？在這部片中，這不是討論最細緻或發展最多的概念，但這個大膽而又有力的問題依然引人注意，可能需要再經過三十五年才會得到解答。

要比較的話，我發現《銀翼殺手2049》有一點單薄。它想要玩弄一些概念，例如自由意志的本質是什麼？現代社會能夠應付它所依憑的經濟不平等嗎？如果可以得到和平，像奴隸般服從是否合理？抑或革命才永遠是更好的選擇？但是這些和哲學相關的片段都很短，從片頭到片尾，無一扣緊那些可以讓我們產生共鳴的核心。我想我期待《銀翼殺手2049》能帶我走得更遠，希望它能想得比我更多，而我也忍不住想知道，為什麼很多影評只專注於批評它的視覺效果，而不把注意力放在故事身上。

Adi：就算不談那些更分散的主題，這部片也未遵循賽博朋克那種建構想像世界的結構，而是讓你自己沉浸在它的場景中，拼湊出它的脈絡語境。它不走那種直接了當的硬漢式敘述風格是好的，但是它的設定太多，而說明太少了。

再問最後一次：戴克真的是複製人嗎？

Adi：我假設電影預設他就是複製人，雖然現在你提出這個問題後，我可以想見長篇大論的反方說法。《銀翼殺手2049》另一個奇怪（也很讓人洩氣）的地方是，不管戴克是不是複製人，都不重要。

不管戴克是不是複製人，都一樣

「戴克是複製人嗎？」這個問題很有趣，因為它反映了《銀翼殺手》裡的重要問題之一：「如果人造之物發現自己是被人製造出來的，它會怎麼樣？」在《銀翼殺手2049》裡面，於此相當的問題是：「如果人造之物能夠真正擺脫自己的創造者，這對它而言意味著什麼？」理論上，就是這一點讓戴克拒絕成為華勒斯那些完美服從他的複製人之一，也是《銀翼殺手》中瑞秋和明顯不是人類的羅伊‧貝提的對比之處。

但似乎不是所有華勒斯製造出的複製人都和較早型號的複製人有所不同。K肯定沒有受到華勒斯的程式或其他東西的限制。是不是因為在K心裡一直有決定自己要做什麼的能力，這就讓戴克和他的孩子只有生殖能力這一點和其他的複製人不同？這整個情節主線感覺更像只是用來推動劇情的事件，而不是對於同一主題的持續探索。

回到實際層面來看，我們不是有看到人類（而不是複製人）戴著防毒面具來到戴克所在的賭場嗎？如果是這樣的話，人類戴克要在那裡生存可是件艱苦的事。

Bryan：你說得對，除了做為華勒斯左右手的複製人樂芙（希薇亞・侯克斯飾演），其他人都有戴防毒面具。這幾乎就把戴克問題的答案確定下來了，真的，這次真的真的確定戴克是複製人了。但是回到電影主題的問題上，你完全說對了，在這個故事裡，戴克到底是不是複製人並不真正重要。而且我發現《銀翼殺手2049》倒過來試著以相對平淡的方式問了一個問題：「如果K真的是被生下來而非製造出來的，但他自己卻從來不知道這件事，會怎樣？」不管是否能自我複製，機器仍然就是機器，不是嗎？

這部電影從頭到尾都過於奇怪地強調出生的概念，但它從未真的去證明或弄清楚這一點。謝波‧摩頓（戴夫‧巴蒂斯塔）把瑞秋懷胎生子這件事視為「奇蹟」，但是這部電影的其他部分都把生產這件事當成泰瑞爾博士當年加在瑞秋身上的功能，因為她是實驗用的原型。華勒斯甚至做出了更讓人信服的案例，指出當年戴克和瑞秋陷入愛河是程式的設定，而不是出自他們自身的情感。這解釋了原作裡的愛情故事為何上演得那麼匆忙，但也削弱了原作和續作都試著討論的自由概念。

別誤解我的意思：對複製人這樣的存在來說，沒有泰瑞爾或華勒斯的幫忙而生出孩子的能力，是他們做為有情感的生命形式獨立的基本條件。那是被賦予的。這也說明了為什麼地下反抗勢力這麼急於想要獲得這個潛能。但這是一個敘述性的概念，而非精神上的必要概念，這就是我覺得《銀翼殺手2049》沒有說清楚的地方。

（未完待續）

延伸閱讀：

《銀翼殺手2049》外媒深度影評（二）

《銀翼殺手2049》外媒深度影評（三）

原文出處：The Verge

作者：Make Hale　編譯：歷史小豬

當紐約時報的首席影評家為「本世紀至今最好的電影」排出名次時，很多讀者因為第二名是宮崎駿的動畫《神隱少女》而感到驚訝，紐約時報其他影評家則想知道為什麼這部動畫不是排名第一的電影。

以下這份排名包括所有吉卜力工作室的動畫作品。做為已有三十二年歷史的公司，吉卜力工作室的產量並不高，但影響卻非常深遠。我們可以看出有些皮克斯和夢工廠的作品受到了吉卜力工作室動畫的影響。

這份清單是紐約時報影評家Make Hale心中的吉卜力動畫排名。對他來說，這些動畫就是一個讓人樂於迷失其中的世界。

22. 《地海戰記》（ゲド戦記, 2006）

本片改編自美國作家娥蘇拉‧勒瑰恩（Ursula K. Le Guin）的奇幻小說，由宮崎駿之子宮崎吾朗執導，主要描寫一個有著法師和龍的水世界，屬於乏味平淡的改編之作。

21. 《回憶中的瑪妮》（思い出のマーニー, 2014）

《回憶中的瑪妮》是一個花俏、複雜（但好看）的鬼故事，主題是孤獨和友誼。吉卜力工作室動畫導演及動畫師米林宏昌創造出的「瑪妮」讓我們知道，即使是和宮崎峻同一工作室的作品，也不代表他能把宮崎駿的魔力帶到這部大正時代的女性故事裡。

20. 《海潮之聲》（海がきこえる, 1993）

這部TV動畫單元劇描寫的是酸酸甜甜的校園三角戀愛，由動畫導演望月智充執導，是吉卜力工作室中年輕團隊的實驗之作，後來吉卜力工作室未再有此類的嘗試。

19. 《借物少女艾莉緹》（借りぐらしのアリエッティ, 2010）

《借物少女艾莉緹》改編自英國作家瑪麗諾頓的小說《地板下的小矮人》。宮崎駿和共同成立吉卜力工作室的高畑勳自從多年前看過原著後，就希望能將它改編為動畫，但當吉卜力工作室最終開始製作這部動畫時時，他們決定讓米林宏昌執導，這也是米林宏昌首度做為動畫導演登場。劇情描寫一個少年回到母親童年時的家居住，卻發現地板下面住著小矮人，是個輕鬆、可愛的故事。

18. 《來自紅花坂》（コクリコ坂から, 2011）

《來自紅花坂》的劇本由宮崎駿企劃改編，背景設定為1960年代早期的橫濱，劇中有許多俯看城市繁忙海港的場景。本片由宮崎吾朗執導，主題是少年少女的戀情以及秘密的家庭糾葛，還稍微反映了該時代劇烈的社會變化。

17. 《心之谷》（耳をすませば, 2005）

本片的導演近藤喜文曾被認為是宮崎駿和高畑勳的繼承人，然而他在完成這部作品後便告逝世。本片劇本由宮崎駿所寫，描繪一個害羞少女和充滿抱負的小提琴製作師的愛情故事（片中還有一隻會說話的貓），但最終拍出來的成品，卻被認為不太像是吉卜力工作室的作品。

16. 《螢火蟲之墓》（火垂るの墓, 1988）

這是一個年少的哥哥帶著妹妹，要在第二次世界大戰的大火和飢荒之間靠著自己的力量活下來的故事。高畑勳將日本國家主義隱喻和高昂的自豪感巧妙地隱藏在故事中，正是這兩點讓這部片經常被定位為吉卜力工作室的經典之作，但這也是一種無恥地、病態地催人淚下的做法。

15. 《貓的報恩》（猫の恩返し, 2002）

如果你從來沒看過宮崎駿的電影，那你來看本片導演森田宏幸所安排的會說話的動物和人類少年的焦慮之間產生的有趣火花會覺得更棒。就這點來說，扣除掉宮崎駿和高畑勳所執導的作品後，本片可說是最棒的吉卜力動畫。一個少女救了一隻貓，讓牠免於被卡車撞上，因此得以到貓王國一遊，還得到許多貓國王送她的禮物。我們可以從這個故事身上看到《愛麗絲夢遊仙境》以及村上春樹小說的影響。

14. 《風起》（風立ちぬ, 2013）

這是目前宮崎駿執導的最後一部動畫電影，片中1930、1940年代的日本生活及早期航空發展的景象美麗而有趣。本片的主角是一個飛機設計師，對飛行有著純潔的愛，然而他的這份熱情，最後卻促成殺人戰鬥機在日本空軍中的出現。這部片延續了宮崎駿自《風之谷》開始的好幾部電影中所賦予高空活動的魅力。

13. 《兒時的點點滴滴》（おもひでぽろぽろ, 1991）

故事描寫一個二十七歲的上班族回到她渡過十歲夏天的鄉間去旅行，進而體會到內心真正嚮往的生活。這部由高畑勳執導的回憶之作是聰明、淒美而有些平凡的作品。

12. 《崖上的波妞》（崖の上のポニョ, 2008）

《崖上的波妞》是宮崎駿的《小美人魚》。一條容易生氣、驕傲的小魚和人類的男孩成為朋友，並且試著在陸地上生活，是個令人陶醉的故事。片中波光粼粼的水下場景和浮世繪畫師葛飾北齋風格的波紋就和過去宮崎駿的其他作品一樣迷人可愛，雖然這個故事和宮崎駿最好的作品比起來，少了一點緊湊感，而又太感傷了些。

11. 《輝耀姬物語》（かぐや姫の物語, 2013）

《輝耀姬物語》是一個勇敢公主的故事。她從一片迷人的竹林裡出生，由砍伐竹子的爺爺和他的妻子撫養長大，最終，他們把她帶離她最愛的山林，並讓她成為一位貴族女性。這部由高畑勳執導的童話故事採用水彩畫及書法風格，聲譽十分卓越。美中不足的地方是它有些不夠深刻，而且太長了（片長兩小時十七分鐘）。

10. 《風之谷》（風の谷のナウシカ, 1984）

《風之谷》是宮崎駿成立吉卜力工作室前執導的最後一部動畫電影，也是他第一次和作曲家久石讓合作，自此之後，宮崎駿所有的電影都由久石讓負責配樂。這部片是更有野心的生態寓言《魔法公主》（もののけ姫, 1997）的先行者，是個描繪地球上的人類躲避巨大的、具掠奪性的昆蟲的後啟示錄故事。

9. 《隔壁的山田君》（ホーホケキョ となりの山田くん, 1999）

這是高畑勳執導的明亮、卡通化的家庭喜劇。塗抹水彩畫的上色風格和《史努比》一樣的作畫線條並未遵循吉卜力工作室的風格，但仍十分具有創造力。

8. 《魔女宅急便》（魔女の宅急便, 1989）

《魔女宅急便》描寫淘氣、笨拙的魔女在十三歲的時候離開家，像所有魔女必須做的那樣，尋找新的居住城市和工作。這個傳統但愉快的故事由宮崎駿執導，討論如何認識自己和英雄主義。它有些片段會讓人感覺是迪士尼的作品，下一剎那又像是楚浮（François Truffaut）的作品。

7. 《平成狸合戰》（平成狸合戦ぽんぽこ, 1994）

《平成狸合戰》是高畑勳最棒的作品，是個描述狸貓聯手打擊房地產開發商的漫畫寓言。片中的泥土氣息和歡鬧氣氛是宮崎駿執導的動畫所沒有的。

6. 《霍爾的移動城堡》（ハウルの動く城, 2004）

有些宮崎駿的影迷並不喜歡這個黑暗的寓言──它有著古怪的轉折，前後關係和情感、表徵及影像而非情節有關。這個故事讓住在粗糙、膨大的住所裡的半人半鳥魔法師霍爾和被女巫變成老女人的年輕女製帽師蘇菲成為一對，是個非傳統的愛情故事。

5. 《天空之城》（天空の城ラピュタ, 1986）

《天空之城》是吉卜力工作室成立後第一部動畫電影。這部宮崎駿的作品不像接下來我們要說的那幾部動畫那麼複雜或精緻，但它是最接近完美的一次動作冒險。故事描寫一個女孩被空中海盜團追趕，而渴望權力的政府官員試著要調查飄浮在空中的城堡拉普達。故事中有蒸氣龐克式的飛行艇、一列悲傷的火車和幾個巨大的機器人。

4. 《紅豬》（紅の豚, 1992）

雖然《紅豬》沒有其他傑出的宮崎駿動畫那麼有名，但這部復古的美國導演霍華‧霍克斯（Howard Hawks）式空中驚險刺激復古動畫就和宮崎駿其他作品一樣美麗且充滿色彩。主角是一隻紅豬，駕著水上飛機進行冒險，他的故事結合了星期六午後的狂歡色彩和1930年代的好萊塢羅曼史。

3. 《龍貓》（となりのトトロ, 1988）

在母親進入醫院療養後，皋月和梅這對姐妹搬到搖搖欲墜的鄉間小屋裡，在那裡，有一些可能是想像出的新朋友來幫助她們，包括一部有著狡猾笑容的貓咪巴士，還有巨大、毛茸茸又臨危不亂的大龍貓。宮崎駿讓這部片帶著一種迷惑人的簡單和童心，但實際上他要談的卻是童年時代的歡愉和恐怖。

2. 《魔法公主》（もののけ姫, 1997）

《魔法公主》是一部華美且充滿想像力的幻想作品，它有力地呼籲人們要採取和自然取得平衡的生活方式，而片中引人入勝的冒險讓人想起黑澤明經典的武士電影。

1. 《神隱少女》（千と千尋の神隠し, 2001）

有個家庭在開車去新家的路上迷路了，而家中年輕的女孩陷入一場黑暗的冒險中。那裡充滿了吵吵鬧鬧的靈魂、女巫、怪獸和其他奇妙的生物。《神隱少女》是宮崎駿有史以來最開闊也最迷人的作品。

 

 

原文出處：New York Times